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Violinista VADIM GLUZMAN – Violoncellista JOHANNES MOSER – Pianista YEVGENY SUDBIN

Lunedì 4 Dicembre 2017, ore 20:30
Sala Verdi, Conservatorio di Milano _Via Conservatorio, 12

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Yevgeny Sudbin nato a San Pietroburgo, dove ha studiato, si è trasferito successivamente a Berlino e infine a Londra. Ha inciso 14 album e il suo CD, dedicato a Scriabin si è aggiudicato il Classical Award al MIDEM di Cannes.

Oltre agli studi al Royal College of Music, ha seguito corsi di Fleisher e Hough e ha ottenuto borse di studio da varie Fondazioni (Pulvermacher, Alexis Gregory, Wall Trust).

Sudbin ha suonato in recitals (New York, Amburgo, Lipsia, Berlino, Parigi) e con orchestre sinfoniche (negli USA  con Minneapolis, Seattle, San Francisco; in Europa con London Philharmonic, BBC Scottish, Tonhalle Orchestra). Ha tenuto concerti con: Minnesota Orchestra, Seattle Symphony, San Francisco Symphony, Orchestra della Tonhalle, la London Philharmonic Orchestra e la BBC Scottish Symphony Orchestra.

Sudbin ha suonato il Concerto n. 1 di Rachmaninov con la BBC Philharmonic e Tortelier ai Proms nel 2008. É ospite abituale di festivals musicali in tutto il mondo, da Aspen, a La Roque d’Antheron, a Verbier, ai Proms di Londra a Singapore. Recitals alla Tonhalle di  Zurigo, a Wigmore Hall e South Bank, al Concertgebouw di Amsterdam, a San Francisco, al Gilmore International Piano Festival, a San Juan di Porto Rico; ha suonato a Londra con Philharmonia e London Philharmonic, al Mostly Mozart Festival, a New York, dove ha ottenuto successo entusiastico nella serie Frick Collection, anche a Lincoln Center.

Ha inciso il ciclo completo dei Concerti di Beethoven e grande successo anche per le incisioni dei Concerti di Rachmaninov e Medtner, un impegno pluriennale, in collaborazione con la Minnesota Orchestra diretta da Osmo Vänskä. “Scoperto” da Serate Musicali nel 2001, esse ne hanno assecondato la verità e la scintilla, in qualità di “Arbiter elegantiarum”.

Vadim Gluzman’s extraordinary artistry brings to life the glorious violinistic tradition of the 19th and 20th centuries. Gluzman’s wide repertoire embraces new music and his performances are heard around the world through live broadcasts and a striking catalogue of award-winning recordings exclusively for the BIS label.

The Israeli violinist appears regularly with major orchestras such as the Berlin Philharmonic, Boston Symphony, Cleveland Orchestra, Chicago Symphony, Philadelphia Orchestra, San Francisco Symphony, Israel Philharmonic, London Philharmonic, London Symphony, and Leipzig Gewandhaus. Gluzman has enjoyed collaborations with many of today’s leading conductors, including Christoph von Dohnányi, Tugan Sokhiev, Sir Andrew Davis, Neeme Järvi, Michael Tilson Thomas, Semyon Bychkov, Jukka-Pekka Saraste, Paavo Järvi, Hannu Lintu and Peter Oundjian. His festival appearances include performances at Verbier, Tanglewood, Ravinia, and Lockenhaus, as well as the North Shore Chamber Music Festival in Chicago, Illinois, which was founded by Gluzman and pianist Angela Yoffe, his wife and recital partner.

Highlights of his 2016-17 season include appearances in London at The Proms with the BBC Symphony and Edward Gardner, with the Chicago Symphony under Neeme Järvi, the NDR Elbphilharmonie Orchestra Hamburg under Christoph von Dohnányi, the Deutsches Symphonie-Orchester Berlin under Tugan Sokhiev, and with the Orchestre de Paris under Juraj Valčuha. He will tour the United States with the Orpheus Chamber Orchestra, including an engagement in New York at Carnegie Hall, and perform with Baltimore Symphony, NHK Orchestra in Tokyo, and the Orchestre Philharmonique de Radio France in Paris, among other engagements. Gluzman will lead performances with the Franz Liszt Chamber Orchestra and the ProMusica Chamber Orchestra in Columbus, Ohio, where he continues in his third year as Creative Partner and Principal Guest Artist.

This season Mr. Gluzman will give the world premiere performances of new concertos written for him by two of today’s most important composers: Sofia Gubaidulina’s Triple Concerto for Violin, Cello and Bayan with Elsbeth Moser, Nicolas Altstaedt and the NDR Radio Philhamonic in Hannover under Andrew Manze; and Elena Firsova’s Concerto for Violin and Cello with Johannes Moser and the Deutsches Symphonie-Orchester Berlin under Tugan Sokhiev. Gluzman has given live and recorded premieres of other works by Gubaidulina, as well as Giya Kancheli, Peteris Vasks, Michael Daugherty, and most recently, Lera Auerbach.

Vadim Gluzman’s latest CD for the BIS label features Sergey Prokofiev’s Violin Concertos No. 1 and 2, as well as the composer’s Sonata for Violin Solo, with Estonian National Orchestra conducted by Neeme Järvi. Accolades for his extensive discography on BIS include the Diapason d’Or of the Year, Gramophone’s Editor’s Choice, Classica Magazine’s esteemed Choc de Classica award, and Disc of the Month by The Strad, BBC Music Magazine, ClassicFM, and others.

Born in the former Soviet Union in 1973, Gluzman began violin studies at age 7. He studied with Roman Sne in Latvia and Zakhar Bron in Russia before moving to Israel in 1990, where he became a student of Yair Kless. In the United States, he studied with Arkady Fomin in Dallas and at the Juilliard School with Dorothy DeLay and Masao Kawasaki. Early in his career, Gluzman enjoyed the encouragement and mentorship of Isaac Stern which continued until the Stern’s passing in 2001. In 1994 he received the prestigious Henryk Szeryng Foundation Career Award.

Vadim Gluzman plays the legendary 1690 ‘ex-Leopold Auer’ Stradivari on extended loan to him through the generosity of the Stradivari Society of Chicago.

JOHANNES MOSER: Hailed by Gramophone Magazine as “one of the finest among the astonishing gallery of young virtuoso cellists”, German-Canadian cellist Johannes Moser has performed with the world’s leading orchestras such as the Berliner Philharmoniker, New York Philharmonic, Los Angeles Philharmonic, Chicago Symphony, BBC Philharmonic at the Proms, London Symphony, Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Koninklijk Concertgebouworkest, Tokyo NHK Symphony, Philadelphia and Cleveland Orchestras with conductors of the highest level including Riccardo Muti, Lorin Maazel, Mariss Jansons, Valery Gergiev, Zubin Mehta, Vladimir Jurowski, Franz Welser-Möst, Christian Thielemann, Pierre Boulez, Paavo Jarvi, Semyon Bychkov, Yannick Nézet-Séguin, and Gustavo Dudamel.

Johannes recently won his 3rd ECHO Klassik award as ‘Instrumentalist of the Year 2017’ for his Russian Recital disk on the label PENTATONE, for whom he records exclusively. His latest recordings include the concertos by Dvořák, Lalo, Elgar and Tchaikovsky, which have gained him the prestigious Preis der Deutschen Schallplattenkritik and the Diapason d’Or. He will return to the recording studio in late 2017 to record Lutoslawski and Dutilleux concertos.

In the 2017/18 season, Johannes will return to the Chicago Symphony Orchestra, Orchestre de la Suisse Romande, Tonhalle Orchestra Zurich, Los Angeles Philharmonic, Danish National Symphony, Netherlands Radio, Orchestre National de Lille, City of Birmingham Symphony Orchestra, New World Symphony, Seattle and San Diego Symphony.

With his newly formed piano trio with Yevgeny Sudbin and Vadim Gluzman he will tour extensively in the coming season throughout Europe and North America. A dedicated chamber musician, Johannes has performed with Joshua Bell, Emanuel Ax, Leonidas Kavakos, Menahem Pressler, James Ehnes, Midori, and Jonathan Biss. He is also a regular at festivals including the Verbier, Schleswig-Holstein, Gstaad and Kissinger festivals, the Mehta Chamber Music Festival, and the Colorado, Seattle and Brevard music festivals.

Renowned for his efforts to expand the reach of the classical genre, as well as his passionate focus on new music, Johannes has recently been heavily involved in commissioning works by Julia Wolfe, Ellen Reid, Thomas Agerfeld Olesen, Johannes Kalitzke, Jelena Firsowa and Andrew Norman. He will take part in the European Premiere of Gubaidulina’s Triple Concerto with the Zurich Tonhalle Orchestra. In 2011 he premiered Magnetar for electric cello by Enrico Chapela with the Los Angeles Philharmonic conducted by Gustavo Dudamel, and in the following season he continued this relationship with the orchestra performing Michel van der Aa’s cello concerto Up-close. Throughout his career, Johannes has been committed to reaching out to all audiences, from kindergarten to college and beyond. He combines most of his concert engagements with masterclasses, school visits and preconcert lectures.

Born into a musical family in 1979, Johannes began studying the cello at the age of eight and became a student of Professor David Geringas in 1997. He was the top prize winner at the 2002 Tchaikovsky Competition, in addition to being awarded the Special Prize for his interpretation of the Rococo Variations. In 2014 he was awarded with the prestigious Brahms prize.

A voracious reader of everything from Kafka to Collins, and an avid outdoorsman, Johannes Moser is a keen hiker and mountain biker in what little spare time he has.



Lunedì 27 Novembre 2017, ore 20:30
Sala Verdi, Conservatorio di Milano _Via Conservatorio, 12

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ENRICO POMPILI: Nato a Bolzano, si è imposto giovanissimo all’attenzione del mondo musicale internazionale nel 1989, con la vittoria del primo premio assoluto al Concorso “Opera Prima – Philips” di Milano, grazie a cui ha inciso un CD solistico. In seguito è stato finalista al concorso internazionale di Dublino, ha vinto il secondo premio al concorso di Hamamatsu e nel 1995 ha trionfato alla XII edizione del Concorso Internazionale “Paloma O’Shea” di Santander (con Alicia de Larrocha Presidente di giuria), ottenendo il “Premio de Honor” e il Premio speciale per la musica contemporanea.

Ha intrapreso gli studi pianistici con Andrea Bambace presso il Conservatorio di Bolzano, diplomandosi con lode e menzione d’onore. Si è poi perfezionato con Franco Scala, Alexander Lonquich, Lazar Berman e Boris Petrushansky all’Accademia pianistica “Incontri col Maestro” di Imola, conseguendo lo speciale diploma di “Master” per i particolari meriti artistici; successivamente ha preso parte ai corsi tenuti da Naboré, Staier, Fleisher, Fou Ts’ong, Bashkirov, Gautier e Frank presso la Theo Lieven Piano Foundation di Cadenabbia e con Naboré, un master in Music Performing al Conservatorio di Lugano.

Ha effettuato tournées in molti Paesi europei ed extraeuropei. Ha collaborato con la Royal Philharmonic Orchestra di Londra, l’Orpheus Chamber Orchestra di New York, la Filarmonica di Varsavia, l’Orchestra Nazionale di Spagna, l’Orchestra Sinfonica di Teplice (Rep. Ceca), la “Haydn” di Bolzano e Trento, l’Orchestra di Padova e del Veneto, l’Orchestra Filarmonica di Torino, l’Orchestra Regionale Toscana, l’Orchestra Verdi di Milano. Ha preso parte a molti dei più importanti festival italiani, quali la Sagra Malatestiana di Rimini, le Settimane Musicali Meranesi, Settimane Musicali di Stresa, Festival “MiTo”, Festival “Milano/Londra/Mosca/New York”. Nel 2015 ha partecipato al Progetto Martha Argerich a Lugano e al N.T.U.E. Festival di Taipei.

Collabora regolarmente con Serate Musicali di Milano, per cui ha realizzato vari cicli di concerti tra cui “Suoni e profumi del Mediterraneo”, dedicato alla musica spagnola e francese; l’Integrale dei Concerti per tastiera di Bach insieme ai pianisti Andrea Bacchetti e Roberto Prosseda e numerosi recitals e concerti con orchestra (tra cui i due di Chopin in un’unica serata nel maggio 2014). Ha inciso l’Integrale delle opere pianistiche di Ginastera, due monografie del compositore Alberto Bonera, opere pianistiche di Michael Glenn Williams e l’Integrale pianistica del compositore milanese Niccolò Castiglioni.


ALESSANDRO DELJAVAN: Di madre italiana e padre persiano, inizia lo studio del pianoforte prima del compimento dei due anni di età e debutta in pubblico a 3 anni. Ha suonato in tutto il mondo; ha vinto importanti premi: “Concours musical de France”, Hummel Competition, Gina Bachauer Young Artist Competition, Cliburn Competition, Isangyun Competition e Cliburn Competition. Ha suonato con l’Orchestra Teatro Mariinsky, Fort Worth Symphony, Orchestra Verdi di Milano, Sinfonica Leopolis, Orchestra Haydn di Bolzano e Trento, Slovak Philharmonic, Changwon Philharmonic, Wuhan Philharmonic e con i Quartetti Takács, Sine Nomine e Brentano.

Collabora da anni con la violinista Daniela Cammarano con cui ha inciso numerosi cd. Deljavan è apparso in film e documentari quali  “Franz Liszt: The Pilgrimage Years” (RAI), ‘Virtuosity’ (Cliburn/PBS), in dirette radiofoniche in tutta Europa e nelle dirette streaming delle due edizioni del Concorso “Van Cliburn” (2009 & 2013).

Si è diplomato al Conservatorio Statale di Musica “Giuseppe Verdi” di Milano (2003) e all’Istituto Musicale Gaetano Braga di Teramo (Secondo livello, 2006). E’ stato fra i sette giovani pianisti – selezionati in tutto il mondo – ammessi all’Accademia Internazionale di pianoforte del Lago di Como, dove ha studiato con William Grant Naboré, Direttore Artistico dell’Accademia.

Ha preso parte a masterclass al Mozarteum di Salisburgo, al Festival delle Nazioni di Città di Castello e alla Fondazione Respighi, sull’Isola di San Giorgio a  Venezia. Ha studiato con Chiola, Lachert, Risaliti, Belli, Bagnoli, Berman, Bashkirov, Boullet, Fou Ts’ong, Merlet, Perry, Pressler e Staier. Attualmente è docente di pianoforte principale presso il Conservatorio “Umberto Giordano” di Foggia.    


Orchestra Antonio Vivaldi

Lunedì 20 Novembre 2017, ore 20:30
Sala Verdi, Conservatorio di Milano _Via Conservatorio, 12

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Sofya Gulyak Nel settembre 2009 a Sofya Gulyak è stato insignita del primo premio e Medaglia d’Oro Principessa Maria al XVI Concorso Pianistico Internazionale di Leeds – la prima donna ad ottenere questi riconoscimenti. Da allora si è esibita in tutto il mondo con grande successo. I suoi recital hanno spesso avuto recensioni di plauso eccezionali e le sue apparizioni in concerto, con le più importanti orchestre, riscuotono commenti entusiastici dalla stampa musicale di tutto il mondo. Sofya Gulyak è stata elogiata per la sua “incredibile precisione e la squisita delicatezza del suono” ed è stata descritta come una grande stella dello spettacolo e definita la “Rach Star” (“Washington Post”).

Il suo curriculum include premi ottenuti nei più prestigiosi concorsi pianistici: primo premio alla V edizione del  Concorso Pianistico Internazionale Thalberg, al Concorso Pianistico Internazionale William Kapell negli USA, al Maj Lind di Helsinki, al Concorso Internazionale di Tivoli a Copenhagen, al Gyeongnam International Piano Competition in Corea del Sud, al concorso pianistico di San Marino, vincitrice del Concorso Busoni in Italia e del Concorso Pianistico Marguerite Long di Parigi.

Sofya Gulyak ha suonato in tutto il mondo con numerose apparizioni sia come solista in recital che in concerti con prestigiose orchestre: al Teatro alla Scala e alla Sala Verdi di Milano, alla Hercules-Saal di Monaco, alla Salle Cortot, Salle Gaveau e Salle Pleyel di Parigi. Ha suonato anche alla Sala Grande del Conservatorio di Mosca, al Konzerthaus di Berlino, al Gewandhaus di Lipsia, al Kennedy Center di Washington, al Palais de Musique di Strasburgo, all’Hong Kong City Hall, al Shanghai Grand Theatre, al Tokyo Opera City Hall, al Osaka Symphony Hall, al Musashino Cultural Center di Tokyo, al Teatro dell’Opera di Budapest, alla Finlandia Hall di Helsinki, alla Bridgewater Hall a Manchester, al Teatro Municipal di Rio de Janeiro, all’auditorium Manzoni di Bologna, alla Music Hall di Aberdeen, alla Salle Molière a Lione, alla Walt Disney Hall di Los Angeles, al King Theatre a Rabat, al Kursaal di Berna, al Tivoli Concert Hall a Copenhagen etc.

Come solista Sofya Gulyak si è esibita con la London Philharmonic Orchestra, la Finnish Radio Symphony, la Filarmonica di San Pietroburgo, la Rio de Janeiro Symphony, la Royal Liverpool Philharmonic Orchestra di Liverpool, la Halle Orchestra, l’Orchestra Sinfonica della BBC Scozzese, la Filarmonica di Budapest, l’Orchestra della Fondazione dell’Arena di Verona, l’Orchestra Filarmonica di Bologna, la Filarmonica di Bucharest, l’Orchestra Sinfonica di Stavanger, la Deutsche Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz, l’Orchestra Sinfonica della Radio Slovacca, la Filarmonica di Helsinki, l’Orchestra Sinfonica di Copenagen, la Ulster Symphony, L’Orchestra Nazionale di Francia, le Orchestre Filarmoniche di Shangai, di Oulu, di Lipsia, le Orchestre Sinfonicche di Pensacola, di Tartarstan, delle Filippne e del Marocco.

Ha collaborato con direttori d’orchestra quali Vladimir Ashkenazy, Sakari Oramo, Mark Elder, David Hill, Donald Runnicle, Vasily Petrenko, Alan Buribayev, Eiving Gullberg Jensen, Theodor Guschlbauer, Alexander Lazarev, Rory McDonald, Danail Rachev, Fabio Mastrangelo, Michele Mariotti, Fuat Mansurov, Alexander Sladkovsky, Marat Bisengaliev, Mario Kosik, Jesus Medina, and Peter Rubardt.

Sofya Gulyak ha partecipato a diversi festival tra i quali: il Klavier Festival Ruhr, il Festival Chopin di Duzniki-Zdroj, il Festival du Sceaux, il Keyboard Festival Internazionale di New York, il Festival Internazionale di Strasburgo, il Festival Busoni, Il Festival di Harrogate, il Festival Pianistico di Cracovia, il Festival Pianistico di Nuova Zelanda, il Ravello Festival, il Festival Chopin di Parigi, il Shanghai International Piano Festival e molti altri.

Con le sue esecuzioni di compositori russi – Medtner, Rachmaninoff, Prokofiev – sono state registrate e pubblicate dalla casa discografica Champs Hill Records nel 2013 e sono state recensite con 5 stelle dalla rivista Diapason (“What a pleasure to hear the piano blossoming and projecting in the most vivid of ways when played by Sofya Gulyak. The singing sound alongside dazzling and powerful execution distinguishes an outstanding natural pianist”), elogiate da Gramophone (“This is a stunning debut album…”) e dalla rivista Guardian “Sofya Gulyak is a fearless pianist, never afraid to scale the most technically demanding heights of the repertoire and equally proud to wear her heart on her sleeve”). Il suo CD con registrazioni di musiche di Brahms uscirà nella primavera 2015 con la Piano Classics.

Sofya Gulyak è nata a Kazan (Russia), dove ha studiato in un collegio musicale con Nailya Khakimova, e poi al Conservatorio di Stato con il professor Elfiya Burnasheva. Si è anche diplomata anche all’Ecole Normale di musica Alfred Cortot di Parigi con il massimo dei voti. Ha proseguito gli studi musicali all’Accademia Pianistica Internazionale di Imola “Incontri coi Maestri” con Boris Petrushansky e al Royal College of Music di Londra con Vanessa Latarche.

Sofya Gulyak è stata invitata a scolgere il ruolo di membro di giuria in parecchi concorsi pianistici internazionali in Italia, Serbia, Francia, Grecia, Stati Uniti, e ad insegnare in Masterclass in Cina, Italia, Australia, Nuova Zelanda, Filippine, Hong Kong, Messico, Stati Uniti e Germania. E’ docente di pianoforte al Royal College of Music di Londra.

Parecchi suoi concerti sono stati trasmessi alla radio e alla televisione in diversi stati: Russia, Polonia, Francia, Italia, Germania, Stati Uniti, Finlandia, Danimarca, Serbia, Nuova Zelanda, Regno Unito (BBC3 e BBC4).

Vincenzo Mariozzi: Giovanissimo, vince il concorso di primo clarinetto solista nell’Orchestra del Teatro Massimo di Palermo. Nel 1968 vince il concorso di primo clarinetto solista nell’Orchestra Stabile dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia; mantiene questa carica per oltre tre lustri, suonando sotto la direzione di grandi direttori d’orchestra quali L. Bernstein, I. Markevich, C. Kleiber, L. Maazel, Previtali, Rossi, Prêtre, Kempe Sawallisch,  Muti, Abbado, Sinopoli, Temirkanov, Böhm, Kondrashin, Svetlanov, Thielemann, Barenboim, Gergiev, Chailly, Patanè, Giulini, Rostropovich, Celibidache, Paret, von Matacic.

Vincitore del Concorso Internazionale d’Esecuzione Musicale di Ginevra (1967), è stato primo clarinetto della World Symphony Orchestra, ha collaborato con l’Orchestra Filarmonica della Scala come primo clarinetto. Come solista ha svolto una intensa attività in tutto il mondo con direttori quali Markevitch, Giulini, Sawallisch, Marriner, Kurz, Previtali, Petrenko, Sinopoli, Maag, Gatti, Zecchi, Renzetti, Benedetti Michelangeli.

Oltre alla sua regolare partecipazione nei concerti cameristici dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, ha collaborato con i Quartetti: Melos, Academica, della Scala, di Praga, Residence di Würzburg (con il quale ha registrato i Quintetti di Mozart e di Brahms) e con il Trio Ciaikovski. Ha suonato con Spivakov, Accardo, Ughi, Asciolla, Ameling, Gruberova, Gasdia, Antonacci, Hoffman, Sirbu, Giuranna, Campanella, Vernikov, Sitkoevski, Raklin, Bogino, Bruno.

Come direttore d’orchestra ha diretto concerti sinfonici e opere liriche in Italia, Germania e Sud America. Nel 1979 ha fondato il “Festival Internazionale delle Città Medievali di Anagni e Fiuggi”, di cui tuttora è il direttore artistico. Dal 2006 al 2012 ha ricoperto la carica di direttore artistico e musicale dell’Orchestra da Camera I Solisti Aquilani, con la quale realizzato tournée in Giappone Stati Uniti. É stato titolare della cattedra di clarinetto presso il Conservatorio “Santa Cecilia” di Roma. Ha tenuto corsi di perfezionamento per l’Accademia Nazionale di Santa Cecilia, in Germania e negli U.S.A.


13Lunedì 13 Novembre 2017, ore 20:30


Un convegno e un concerto per riscoprire Antonio Smareglia, compositore dimenticato fra i più interessanti di fine Ottocento e Novecento.

In scena “La Falena”, dopo 42 anni di assenza

Protagonista Denia Mazzola Gavazzeni

Sala del Grechetto, Palazzo Sormani, Milano, ore 10-17

Corso di Porta Vittoria, 6


La Falena

Sala Verdi, Conservatorio di Milano, ore 20.30
Via Conservatorio, 12
Info: tel. 02 29409724 – 338 1407113


Milano 13 settembre 2017 – Giornata speciale per la musica lirica a Milano organizzata e prodotta dall’associazione culturale non profit Ab Harmoniae Onlus  con il sostegno di La Camerata di Cremona e la collaborazione di Serate Musicali la quale, “Pro Veritate”sposa il progetto e inserisce il duplice evento nella propria stagione di concerti 2017-2018.


In occasione del sesto appuntamento della stagione di Serate Musicali, lunedì 13 novembre si terrà dunque “Una Giornata per Smareglia, interamente dedicata ad uno dei più interessanti  operisti, vissuto tra la fine Ottocento e  l’inizio Novecento: Antonio Smareglia (1854-1929).
Istriano, nato a Pola, Smareglia fu artatamente osteggiato e “oscurato” dall’ostracismo di nemici e rivali oltre che dai  “commerci dei teatri”.
La rara occasione ci permetterà così non solo di conoscere un  tassello importantissimo della nostra cultura  “fin de siècle” ma  renderà   giustizia anche all’uomo  Smareglia, il quale, divenuto cieco a 45 anni  continuò tuttavia a comporre sino all’ultimo giorno della sua vita, certo che “o presto o tardi la mia musica sarà riconosciuta”(A.Smareglia).

La “Giornata per Smareglia” inizierà con un un Convegno di Studi sul Compositore che si terrà dalle ore 10.00 alle ore 17.00 presso la Sala del Grechetto della Biblioteca Sormani, mentre  l’esecuzione de La Falena, leggenda lirica in tre atti di Silvio Benco, (secondo appuntamento di Andiamo allOpera” – serie di concerti di Serate Musicali  dedicati agli amanti della lirica) avrà inizio alle ore 20.30 presso la Sala G.Verdi del Conservatorio.

Eseguita in tempi moderni nel 1975, al Teatro Verdi di  Trieste, con la direzione di Gianandrea Gavazzeni, e lo scorso luglio in un’anteprima a Bergamo per la rassegna “L’Opera Palazzo,

La Falena sarà eseguita  in forma di concerto e  preceduta da una prolusione a cura di  Luca Schieppati.

Interpreti dell’opera saranno Denia Mazzola Gavazzeni nel ruolo della protagonista Redana, Giuseppe Veneziano (Re Stellio), Armando Likaj (Uberto) e Giovanna Barbetti (Albina). Completeranno il cast Fulvio Ottelli (Morio) e Rosario di Mauro (un ladro).

Con il coro La Camerata di Cremona e  lOrchestra Filarmonica Italiana gli interpreti saranno diretti dal M°  Marco Fracassi.

Il Convegno di Studi si svolgerà invece dalle 10.00 alle 17.00 nella Sala del Grechetto della Biblioteca Sormani e offrirà, per la prima volta a Milano, la possibilità di conoscere il genio musicale di Antonio Smareglia, applaudito e stimato da platee internazionali.
Studiosi del Novecento, italianisti, musicologi e critici musicali venuti da tutta Italia e dalla vicina Istria, ci erudiranno sul lascito fortemente innovativo del Compositore triestino che “a cavallo fra le nazioni” seppe trovare,  attraverso un personalissimo stile “mitteleuropeo”, quella  cifra fantastica che traslasse la parola melodrammatica da una forma veristica ad una più squisitamente  simbolista.

Alle  dotte relazioni di Gianni Gori – anche presidente del  Comitato Scientifico – Marzio Pieri, Guido Salvetti,  Matteo Sansone,  Cesare Orselli,  Bruno Dobric e Ivana Gortan Carlin faranno seguito le testimonianze di  Nandi Ostali – Edizioni Musicali Sonzogno e di Andrea Bongiovanni – Edizioni discografiche Bongiovanni.

Presenti, coi loro interventi, saranno la nipote di Smareglia e di Benco Adua Smareglia e Marta Gruber Tassin Benco.

Armata di uno spirito d’archeologa, Denia  Mazzola,  soprano in carriera dal 1982, vedova del grande Gianandrea Gavazzeni, fondatrice e presidente dell’associazione Ab Harmoniae Onlus, che da sempre rivolge la propria attenzione a quei compositori e loro opere ingiustamente dimenticate,  troverà  in Serate Musicali, sensibilità e accoglienza anche per  le esecuzioni di Oceana e Abisso progettate per il prossimo biennio 2018/2020 a completamento del Trittico smaregliano

Scheda del compositore e dellopera

Antonio Smareglia: nato nel 1854 a Pola da padre istro-italiano e da madre istro-croata Antonio Smareglia (1854-1929) si diplomò al Conservatorio G. Verdi di Milano. Negli anni della sua giovinezza aderì a quel movimento culturale e letterario che va sotto il nome di Scapigliatura.
Allievo di Franco Faccio, Fu Amico di Boito, di Marchetti e di tutti i musicisti che gravitarono nella città meneghina intorno alle nuove correnti culturali.

Le opere di Smareglia raccolsero straordinari successi sia a Milano, alla Scala, che all’estero, a Vienna, a Dresda e oltreoceano  (Metropolitan).

Antonio Smareglia, compositore “di confine”,  fu a tutti gli effetti musicista Mitteleuropeo, creatore di armonie che integrarono perfettamente il romanticismo italiano alle influenze musicali tedesche, austriache e slave.

Dal carattere riservato, schietto, “si trovò a lottare per tutta la vita contro le “mode” e i “commerciin uso nei teatri, ma continuò a comporre, pur avendo perso la vista, sino allultimo giorno della sua vita, dettando le sue musiche al figlio, senza scoraggiarsi mai, sicuro che o presto o tardi la mia musica sarà riconosciuta (Mario Smareglia).

La Falena

Composta fra il 1895 e il 1897, andata in scena con grande successo al Teatro Rossini di  Venezia nel settembre del 1897 l’opera ruota intorno alla figura di Redana (La Falena), creatura della notte, innamorata. Ella non conosce amore – “amor non ebbi mai”  – e non conosce le leggi degli umani. La Falena  si muove nell’ombra della notte, tra “fosche selve” e filtri magici, seduzioni ammaliatrici che istigheranno al delitto la mano “ensorcelée” di re Stellio.
Trascorsa la notte, consumato il delitto e l’estasi dell’amplesso, alle prime luci dell’alba Redana – La Falena – discolora e muore.
Negli anni che sono del dannunziano Trionfo della Morte, Smareglia crea, con La Falena un teatro lirico unico, in Italia, nel suo genere monumentale.

L’architettura orchestrale è massiccia, potente in dinamica e segnata da fremiti wagneriani.

Il testo di Benco lirico, poetico, tragico, è a conferma di quanto il poeta  ben conoscesse il teatro greco e il furore dionisiaco delle sue passioni



Lunedì 13 novembre 2017
Biblioteca Sormani – Sala Del Grechetto, Ore 10.00-17.00

Relazioni scientifiche di:Gianni Gori , Guido Salvetti, Marzio Pieri, Matteo Sansone, Cesare Orselli, Bruno Dobric, Ivana Gortan Carlin

Interventi di:Adua Rigotti Smareglia, Marta Gruber Tassin Benco, Nandi  Ostali,  Andrea Bongiovanni, Hans Fazzari, Elisabetta Carutti, Denia Mazzola Gavazzeni, Marco Fracassi,  Daniel Longo Smareglia.

Sala Verdi del Conservatorio, Ore 20.30
Antonio Smareglia – LA FALENA

Leggenda lirica in tre atti di Silvio Benco

La Falena: Denia Mazzola Gavazzeni, soprano
Re Stellio: Giuseppe Veneziano, tenore
Uberto: Armando Likaj, baritono
Albina: Giovanna Barbetti, soprano
Morio: Fulvio Ottelli, basso
Il ladro / Una voce: –Rosario di Mauro, tenore
Coro La Camerata di Cremona
Orchestra Filarmonica Italiana
Direttore Marco Fracassi
Prolusione a cura di Luca Schieppati

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9.30 –  Registrazioni

10.00 – Denia MAZZOLA GAVAZZENI – soprano, presidente Ab Harmoniae Onlus

  Presentazioni – “Il viaggio Smareglia”

10.10 –  Adua SMAREGLIA RIGOTTI – nipote del M° Antonio Smareglia

Per forza di sua natura, o presto o tardi…

10.20 – Marta  GRUBER TASSINI BENCO – nipote del poeta Silvio Benco

Ricordi e ancora “Ricordi di Antonio Smareglia”

10.30 – Marco FRACASSI – direttore d’orchestra

Concertare “La Falena”

10.40  – Gianni GORI – scrittore, critico musicale

La Falena: e il Notturno di uno Spaesato

11.00 – Guido SALVETTI – pianista, musicologo

Allo spartiacque tra verismo e simbolismo: La Falena di Antonio Smareglia.

11.20 – Marzio PIERI –  cattedratico di Lingua e Letteratura italiana Università di Parma

Al vento dell’Adriatico

11.40 – Matteo SANSONE – Professore New York University Florence

Teatro di Poesia” Silvio Benco e Antonio Smareglia: il caso Oceana

12.00 –  Pausa Caffè

12.10 – Cesare ORSELLI –  storico della musica Conservatorio di Firenze e Siena

Antonio Smaregli “Liriche”: fra Lied e Romanza

12.30 –Bruno  DOBRIC  – Docente e Direttore Biblioteca Universitaria di Pola (Croazia)

  Ivana  GORTAN CARLIN – Docente Scienza della Ricerca Università di Pola

 Valorizzazione dell’Opera di Smareglia in Istria dal 1990

13.00 – 14.20 – Pausa pranzo


14.30 – Hans FAZZARI – pianista, presidente Serate Musicali di Milano

Serate Musicali e la Musica di Antonio Smareglia:  Pro Veritatae

14.50  – Nandi OSTALI , Edizioni Musicali Sonzogno

La Falena …involata

15.10-  Andrea BONGIOVANNI – Edizioni Bongiovanni

Le edizioni discografiche

15.30 – Elisabetta CARUTTI – Presidente La Camerata di Cremona

 Per un moderno mecenatismo

15.50. – Daniel LONGO – pronipote A.Smareglia

  I giovani e la musica del Novecento

16.00 – Dibattito

17.00 – Chiusura lavori



Denia Mazzola Gavazzeni. Nata sulle rive dell’Adda in provincia di Bergamo, è soprano, didatta e organizzatrice di eventi. Svolge attività artistica dal 1982 presso i più importanti teatri nazionali e internazionali. Amante dell’arte e della poesia, ha fatto del suo percorso artistico una costante ricerca per riportare alla luce compositori e loro opere ingiustamente dimenticati. Dal registro di soprano coloratura, a servizio del belcanto, nei primi anni  della sua carriera, è passata a quello odierno che la vede interprete convinta di  partiture  del tardo Ottocento europeo e del nostro Novecento (Parisina, Ariadne au Naxos, Salomè, L’amore dei tre re, Cassandra, Risurrezione, Iris, Zazà, Marion Delorme, La Vièrge, Marie Magdeleine, Eve, Esclarmonde, Miroir de Jesus, Mirra, Turandont(Busoni), La vida breve,, La voix humaine, Dialogue de Carmelites, Cecilia) e tante altre. Premiata con il “Platinum de l’Accademie du disque lyrique” a Parigi, con i Premi “Luigi Illica”,  “Vittorio Alfieri” “Gaetano Donizetti”, “Ester Mazzoleni”, “Giuseppina Strepponi”, “Pietro Mascagni”, “Accademia delle Muse (Euterpe)” – “Paladino d’oro”, è stata protagonista della “Donizetti Renaissance” interpretando venti ruoli -titolo del Compositore bergamasco

Ha inciso per Ricordi, Koch Schwann, Ariston, Fonit Cetra, Agorà, Kicco Music, Bongiovanni, Actes Sud, Universal. Ha pubblicato “Ritratti”, testimonianza testuale-iconografica delle numerose opere da lei riportate alla luce.  E’ Fondatrice e presidente dell’associazione Ab Harmoniae Onlus. Con essa ha prodotto  numerosissimi eventi musicali, curandone spesso le regie e offrendo ai giovani artisti l’occasione per farsi conoscere. Ha prestato la sua voce anche per cause umanitarie. Si ricordano i suoi “Ateliers de Chant et expression corporelle” realizzati in collaborazione con il Ministero di Giustizia Francese e Italiano, le “Déambulations lyriques” presso le Unità di Cure Palliative degli ospedali L’Archet de Nice , o psichiatriche dell’Ospedale Lenval (Nice), i concerti presso la filiera delle  Unitées Geriatriques del Principato di Monaco. Per tre stagioni consecutive è stata in “missione” presso la Favelas St Isabel di Viamao, Porto Alegre (Brasil) con un programma dal titolo “Voce che canta, terapia dell’anima”.  È stata invitata dal Mutirao da Comunicaçao della Congrezione Episcopale Brasiliana, per testimoniare sulla  “missione della voce e dell’artista nella cura delle sofferenze morali e psicologiche“. Nel 2015 La Città di Nice (Fr) l’ha decorata con  la “Medaille d’Or” per meriti culturali e solidali.


Marco Fracassi. Cremonese, diplomato in organo nel 1981, approfondisce lo studio della  Direzione d’orchestra all’Accademia di Pescara con Mario Gusella, l’estetica dell’opera organistica bachiana presso l’Università Cattolica di Milano con Wilhelm Krumbach, la prassi del Basso Continuo con Walther Kolneder ed il Clavicembalo con Maria Pia Jacoboni. Inizia giovanissimo l’attività concertistica strumentale di organista e clavicembalista ed appena ventiquattrenne l’attività direttoriale. Dal 1982 è direttore stabile dell’Orchestra e Coro “La Camerata di Cremona”. È fondatore e direttore de “I Solisti di Cremona”, direttore della collana “Cremonae Musica”. Direttore ospite in numerose Orchestre (Orchestra da camera di Padova, Orchestra Filarmonica Italiana, Sinfonica di Sassari, Sinfonica di Lecce, dell’Opera di Rijeka ecc) con repertorio sinfonico e operistico ha diretto in Italia, America, Giappone, Asia. Profondo conoscitore dell’arte organaria, è stato invitato nel 1982 ad aprire il congresso mondiale dei costruttori d’organi (International Society of Organbuilders) con un saggio intitolato “L’organaria lombarda nell’Ottocento”. Ha curato l’edificazione di nuovi organi ed il restauro di organi antichi. Dal 1978 è direttore artistico della Settimana Organistica Internazionale “Appuntamenti con gli organi storici di Cremona”, inserita nel Festival di Musica antica “Monteverdi”. Ha inciso molti CD in qualità di solista e di direttore. Con Ab Harmoniae Onlus – Edizioni Bongiovanni – ha pubblicato Cecilia di Licinic Refice.



Biglietti: Intero 20€, Ridotto 15€ (over 65 – Soci Fai, Touring, Feltrinelli, Fondazione Milano per la Scala), 10€ (under 26), 5€ (Studenti Enti musicali convenzionati). L’acquisto dei biglietti per ogni concerto può avvenire in tre modi: negli Uffici di Serate Musicali (Galleria Buenos Aires 7, da lunedì a venerdì, orario continuato (ore 10/17) tel. 0229409724 email: a partire da un mese prima di ogni concerto; on line sul portale di Vivaticket; presso la biglietteria del Teatro, dalle ore 20.00 esclusivamente la sera del concerto stesso (in quest’ultimo caso, soltanto, la modalità di pagamento è esclusivamente in contanti). L’acquisto degli Abbonamenti alla Stagione 2017/18 può avvenire esclusivamente negli Uffici di Serate Musicali in Galleria Buenos Aires, 7.


Ufficio stampa: Nicoletta Tassan Solet — Paolo Andreatta

cell. + 39 348 64 18 066 – 340 5690863 –

Sergei Nakariakov

I Solisti Aquilani Trombettista Sergei Nakariakov

Venerdì 10 Novembre 2017, ore 21:00
Teatro  Dal Verme – Via San Giovanni sul Muro, 2

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Serate Musicali OFF


Biglietti: 25 euro (platea, primo settore), 20 euro (platea, secondo settore), 15 euro (balconata) +prevendita

Biglietti in vendita presso la biglietteria del Teatro Dal Verme e su  

Info: –  Facebook @SerateMusicaliOFF

Ritornano per il secondo anno consecutivo – quest’anno al Teatro Dal Verme di Milano – le Serate Musicali OFF,  innovativa “frangia” di programmazione della storica associazione concertistica milanese, realizzata in collaborazione con WEC S.p.a. Alle 21 di venerdì 10 novembre, il cartellone cala il primo asso di un poker da quattro: il concerto del “Paganini della tromba”, Sergeij Nakariakov I Solisti Aquilani.

Il trombettista russo quarantenne, per l’occasione armato di flicorno, si libra in un saggio della sua sovrumana abilità tecnica e finezza interpretativa sulle note del Concerto per violoncello in do maggiore n.1 di Franz Joseph Haydn, nella trascizione del padre, e suo primo mentore, Mikhail Nakariakov. Seguono, per organico di sola orchestra d’archi, la Suite per archi From Holberg’s time op.40 di Edward Grieg e il Quartetto in re minore D.810 di Franz Schubert, La morte e la fanciulla, nella trascrizione di Gustav Mahler.

“Quando la tromba di Nakariakov rompe il silenzio, in sala, il resto di noi a malapena riesce a respirare” registra il San Francisco Chronicle. “Trombettista per caso” (dovette abbandonare il pianoforte per motivi di salute), assurto a notorietà internazionale nella primissima adolescenza, Sergeij Nakariakov è membro della nuova elite di interpreti russi, che iscrive finalmente un “golden boy” degli ottoni in una tradizione già brulicante di fuori classe in ogni altra “specialità”.

Questa è la terza occasione, in assoluto, per poterlo ascoltare a Milano, dove non si esibisce dal 2003.

Serate Musicali OFF propone altri tre appuntamenti, sempre al Teatro Dal Verme, e sempre ispirati all’incontro tra musica classica ed altri generi, come il jazz e il pop, quando non altre arti (il teatro): il 1 dicembre con la Budapest Gypsy Symphony Orchestra, celeberrima “100 violins” orchestra, in in programma d’ispirazione gitana, l’11 febbraio con i Mnozil Brass, dall’accesa vis comica, e il 21 febbraio con il duo Bahrami- Rea, impegnato nella presentazione nazionale del nuovo progetto crossover per DECCA, Bach is in the air.

Note sul programma: 

Il Concerto per violoncello e orchestra n. 1 in do maggiore di Franz Joseph Haydn(1732-1809) fu scritto nella prima metà degli anni Sessanta del Settecento, un periodo in cui il compositore era impegnato prevalentemente nella composizione di musica strumentale, per quanto possiamo saperne, esclusivamente per l’esecuzione presso la corte degli Esterhazy.  «II principe era pienamente soddisfatto del mio lavoro, ero apprezzato, avevo a disposizione un’orchestra per fare esperimenti (..) e così fui costretto a diventare originale», scriveva il compositore, sgombrando da ogni possibile aura romantica l’immagine del compositore musicale, e a riprova dell’impegno immesso nel dare dignità solistica ad uno strumento sino ad allora negletto.

Se quindi, in questa parte della sua produzione, il genere della sinfonia prevale, ad uso della corte, tra queste spiccano alcuni concerti solistici, tra cui il primo Concerto per violoncello, scritto per la prima parte dell’orchestra di corte, Joseph Franz Weigl. Di impianto tardo barocco, tale composizione già esibisce una matura struttura in forma di Sonata: con un primo tempo dominato da un unico tema, dal quale Haydn ricava altri motivi dallo sviluppo indipendente, un secondo tempo in cui il solista entra su di una nota lunga, creando un caratteristico effetto drammatico, e un terzo tempo che conferma l’abilità di Haydn nel maneggiare, in mille modalità diverse, lo stesso materiale tematico, facendo sfoggio di una scrittura al contempo densa e virtuosistica.

La Suite per archi From Holberg’s time op.40 (in norvegese: Fra Holbergs tid) di Edward Grieg nasce dalla trascrizione (prima per pianoforte, poi per orchestra d’archi) dell’omonima Cantata, per voce maschile e orchestra. Il suo sottotitolo – “suite in forma antica” – chiarisce subito l’intento del compositore, improntato a un attento lavoro d’attualizzazione di principi compositivi barocchi. Scritta nel 1884, in occasione delle celebrazioni del bicentenario dalla morte del “Molière del Nord”, il drammaturgo danese Ludvig Holberg, la suite si articola in cinque movimenti derivati da altrettanti stili di danza – Preludio, Sarabanda, Gavotta, Aria e Rigaudon – prefigurando, in epoca non ancora sospetta, i principi di un possibile, futuro, manifesto neoclassico.

Sul modello dell’analoga trascrizione del Quartetto Serioso di Beethoven, datato dei primi anni del suo incarico alla Filarmonica di Vienna (1898-1901), Gustav Mahler trascrisse anche il Quartetto Der Tod und das Mädchenin re minore D.810 di Franz Schubert: un’operazione che gli permise di conquistare la lucida distanza ricercata dai maestri il cui linguaggio egli aveva preso inizialmente a modello per la costruzione di un idioma personale.

Serate Musicali OFF è un progetto di WEC, World Entertainment Company, società specializzata in produzione e management musicale a livello internazionale, realizzato in collaborazione con Serate Musicali di Milano, con il patrocinio del Comune di Milano.

Ufficio stampa

Nicoletta Tassan Solet: – 348 64 18 066

Paolo Andreatta:

Per info: – – Facebook @SerateMusicaliOFF


Sergeij Nakariakov ha sviluppato una voce musicale unica, con il suo strumento; molto più di un mezzo del suo virtuosismo. Il suo repertorio è composto non solo dalla letteratura originale per tromba ma, alla continua ricerca di nuovi significati nell’espressione musicale, è riuscito a portare alla ribalta anche il flicorno.

Nato a Gorky nel 1977, Sergeij a soli 6 anni inizia a studiare pianoforte. A causa di una lesione della colonna vertebrale interrompe lo studio del pianoforte e inizia quello della tromba. Suo primo maestro è il padre Mikhail Nakariakov, dal quale ha ereditato doti tecniche e musicali. A 10 anni Sergeij inizia a suonare con diverse orchestre, nelle più importanti sale concerti dell’Unione Sovietica. La sua nascente carriera lo porta a lasciare l’Unione Sovietica per trasferirsi in Israele.

Nel 1991 è protagonista dell’Ivo Pogorelich Festival di Bad Wörishofen, nell’agosto dello stesso anno debutta con la Lithuanian Chamber Orchestra al Festival di Salisburgo. L’anno successivo è ospite al Schleswig-Holstein Musikfestival, dove riceve il Prix Davidoff. A 13 anni, dopo una sua esecuzione al Korsholm Festival, venne soprannominato dalla stampa finlandese il “Paganini della tromba” e, nel 1997, dalla stampa tedesca Musik und Theater, il “Caruso della tromba”.

Si esibisce in tutto il mondo, nei principali centri, auditorium, palcoscenici internazionali: l’Hollywood Bowl di Los Angeles, il Lincoln Center a New York, la Royal Festival Hall e la Royal Albert Hall a Londra, il Théatre des Champs Elysèes a Parigi.

Nel 2002, Nakariakov riceve dalla German Phono-Academy l’ECHO Klassik Award come strumentista dell’anno. Nel 2006 esegue, in prima assoluta, Ad Absurdum con la Munich Chamber Orchestra, un concerto scritto e dedicato a lui da Jorg Widmann. Nel 2007 lo esegue con la BBC Symphony Orchestra e Jiri Belohlavek al Barbican di Londra.
La sua discografia è sterminata; l’album inciso con la Teldec Classics International (Warner) ha raccolto l’entusiasmo del pubblico e della critica per la scelta di un repertorio virtuosistico comprendente musiche di G. Bizet, N. Paganini, M. de Falla, G. Gershwin, N. Rimsky-Korsakov, accompagnato dal pianista Alexander Markovitch.

L’album Elegie, in duo con la pianista Vera Nakariakova, comprende una selezione di famose composizioni per voce e piano trascritte per tromba e pianoforte. Concertos for trumpet include l’esecuzione delle trascrizioni per tromba e flicorno di concerti per archi di J. Haydn, F. Mendelssohn e F. A. Hoffmeister. Il periodico francese Repertoire gli ha assegnato la valutazione “R10 – Coup de foudre”. No limit ha ricevuto il premio RTL d’Or. From Moscow with love include l’esecuzione di concerti di autori russi. Nel suo più recente album Echoes from the past ha inciso i concerti di J. N. Hummel, W. A. Mozart, C. M. von Weber e C. Saint-Saens scritti, in originale, per fagotto e violoncello.
Nel novembre 2010 ha eseguito, per la prima volta, il Concerto Pieta dedicato a Chet Baker di Christian Jost con la Philharmonic State Orchestra di Amburgo nella Laeiszhalle.
Suona su strumenti Antoine Curtois Paris.

Solisti Aquilani si costituiscono nel 1968 sotto la guida di Vittorio Antonellini, su ispirazione e con la collaborazione dell’avvocato Nino Carloni, già fondatore della società dei concerti dell’Aquila. Vittorio Antonellini li ha condotti per oltre trent’anni. Successivamente i direttori artistici sono stati Francesco Sanvitale, Franco Mannino, Vittorio Parisi e Vincenzo Mariozzi. Attualmente la direzione artistica è affidata a Maurizio Cocciolito.

Il Complesso, che si avvale di strumentisti di alto livello che ruotano nei ruoli all’interno della formazione e sono in grado di sostenere parti solistiche di elevato impegno virtuosistico e interpretativo, ha un repertorio che abbraccia le più diverse epoche musicali, da quella pre-barocca alla musica contemporanea, con particolare riguardo ai compositori italiani, senza trascurare interessanti incursioni nel teatro d’opera. Per l’ottimo livello delle esecuzioni, l’alto numero dei concerti effettuati, l’ampio repertorio, la vastissima dislocazione dei centri raggiunti e l’unanime consenso di pubblico e di critica, I Solisti Aquilani hanno conquistato una precisa e insostituibile posizione nel quadro delle più prestigiose formazioni cameristiche internazionali.

Sono stati protagonisti di numerose e importanti tournée in Italia, Europa, Medio ed Estremo Oriente, Africa, America, ospiti delle più prestigiose sale da concerto negli Stati Uniti, in America Centrale e del Sud, Austria, Canada, Finlandia, Francia, Germania, Gran Bretagna, Irlanda, Jugoslavia, Libano, Malta, Polonia, Stati Uniti, Svezia, Svizzera, Tunisia, Turchia, Ungheria, Egitto, Kazakhstan, Lituania, Slovenia, Croazia, Giappone. Da sottolineare il concerto tenuto nel 2009 a New York nel Palazzo delle Nazioni Unite. Importanti e significative sono state le collaborazioni con grandi musicisti, tra i quali Maurice André, Felix Ayo, Paul Badura Skoda, Hermann Baumann, Renato Bruson, Michele Campanella, Cecilia Gasdia, Severino Gazzelloni, David Geringas, Ilya Gruber, Massimo Mercelli, Stefan Milenkovic, Massimo Quarta, Jean Pierre Rampal, Uto Ughi. Tra il 2014 e il 2016 hanno suonato con Danilo Rea, Roberto Prosseda, Federico Mondelci, Giuseppe Albanese, Flavio Emilio Scogna, Ramin Bahrami, Dee Dee Bridgewater, Bruno Canino, Salvatore Accardo, Peter Eötvös, Umberto Clerici, Luis Bacalov, Andrea Griminelli, Sonig Tchakerian, Ramin Bahrami, Giovanni Sollima, Alessandro Carbonare, Alessio Allegrini, Ilia Kim, Evelyn Glennie e sono stati diretti dal grande compositore e direttore d’orchestra polacco Krzysztof Penderecki. Con Fabrizio Bosso hanno inciso un CD per la casa discografica Universal.

Nel 2013 e 2014 I Solisti Aquilani hanno realizzato due importanti produzioni con il giornalista e storico Paolo Mieli e il matematico Piergiorgio Odifreddi. Sempre nel 2014 hanno eseguito la colonna sonora del docu‑film, Quando c’era Berlinguer, di Walter Veltroni, prodotto da Sky Cinema. Numerose sono le incisioni discografiche e registrazioni radiofoniche e televisive realizzate in Italia, America, Germania, Spagna, Svizzera e Giappone. Nel 2015 hanno collaborato come “orchestra in residence” dell’Emilia Romagna Festival 2015 e hanno eseguito l’integrale dei “Concerti Brandeburghesi” di J. S. Bach al Festival di Ravello. Di grande successo il progetto realizzato all’Aquila per I Cantieri dell’Immaginario 2015, “Danzare la Musica”, che ha visto la partecipazione di Carla Fracci. Nel 2015 si sono esibiti all’Expo di Milano e hanno tenuto concerti a Milano (Auditorium della Cariplo), Strasburgo e Parigi. Lo scorso 3 aprile I Solisti Aquilani hanno tenuto un concerto, in diretta radiofonica su Radio3 – RAI , nella Cappella Paolina del Quirinale, alla presenza del Presidente della Repubblica Sergio Mattarella.

Daniele Orlando è il violino di spalla.


Elisso Virsaladze

Lunedì 06 Novembre 2017, ore 20:30
Sala Verdi, Conservatorio di Milano _Via Conservatorio, 12

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Elisso Virsaladze è cresciuta in una famiglia di Tblisi, Georgia, che per generazioni ha partecipato attivamente alla vita culturale e artistica del Paese. Ha iniziato lo studio del pianoforte con la nonna, la prof.ssa Anastasia Virsaladze; quindi, dopo gli studi nel locale Conservatorio, lasciava la città natale e si trasferiva a Mosca. A vent’anni conquistava il terzo premio nel celebre Concorso Tchaikovsky.

A Mosca proseguiva quindi gli studi sotto la guida di Heinrich Neuhaus e Yakov Zak. Questi insegnanti di grandissimo talento, oltre ad influire profondamente sullo sviluppo artistico di Elisso, la immergevano nella rinomata tradizione pedagogica della scuola pianistica russa. Non sorprende, pertanto, che Elisso sia oggi considerata un’insegnante straordinaria e che i suoi studenti abbiano ottenuto riconoscimenti tra i più importanti nei concorsi internazionali. Elisso Virsaladze insegna regolarmente al Conservatorio di Mosca e alla Munich Musikhochschule, ed ha partecipato come membro della giuria a pressoché tutti i più importanti concorsi internazionali: Santander, Geza Anda di Zurigo e Rubinstein di Tel Aviv, e sicuramente il Tchaikovsky e il Richter.

Elisso Virsaladze coltiva con cura la sua grande passione per i compositori del tardo diciottesimo e del diciannovesimo secolo. Le sue interpretazioni storiche e più esemplari, lontane da ogni esibizionismo tastieristico e dedite integralmente alla poesia del canto e del colore, riguardano soprattutto autori come Mozart, Beethoven, Chopin, Liszt e soprattutto Schumann. A ventiquattro anni, vinceva il primo premio al Concorso Schumann di Zwickau, facendola immediatamente annoverare dalla stampa internazionale tra i più grandi interpreti schumanniani contemporanei. Lo stesso Sviatoslav Richter dirà di lei: “…il suo Schumann non ha eguali”. Ma del resto, la pianista annovera un vasto repertorio, che si estende fino a comprendere i compositori russi moderni e contemporanei. L’Unione Sovietica le ha attribuito le massime onorificenze artistiche.

Elisso Virsaladze si esibisce regolarmente in sale importanti e in centri musicali come Londra, Milano, Roma, Parigi, Lisbona, Berlino e Barcellona; tiene tuttora numerosi concerti in duo con la violoncellista Natalia Gutman in città come Vienna, Berlino, Bruxelles, Madrid, Monaco, Milano, Ginevra e Losanna, solo per citare le principali città europee. In ambito cameristico e con orchestre quali la Petersburg Philharmonic e la Royal Philharmonia London ha effettuato ampie tournée nel Nord America, in Giappone e in Europa. Elisso Virsaladze appare inoltre regolarmente con prestigiose orchestre in Francia, Germania, Italia, Spagna, Svizzera, Stati Uniti e in altri Paesi.

Collabora regolarmente con direttori d’orchestra tra i più prestigiosi, quali Rudolf Barshai, Kyrill Kondrashin, Riccardo Muti, Kurt Sanderling, Wolfgang Sawallisch, Evgeny Svetlanov, Yury Temirkanov o Antoni Wit – per nominarne solo alcuni.

La stagione 2017/2018 è composta come sempre da recital come solista, concerti con l’orchestra, musica da camera – in Germania, Georgia, Italia, Giappone, Portogallo, Russia, Spagna, Asia e Sud America – masterclasses (es. Fiesole, Salisburgo, Tokyo) e sarà membro della giuria nei concorsi di Rio de Janeiro, Thessaloniki, Tel Aviv e Bratislava.

L’etichetta discografica Live Classics ha dimostrato un ampio interesse riguardo alla personalità musicale di Elisso Virdsaladze.



Venerdì 3 Novembre 2017, ore 20:30

Sala Verdi, Conservatorio di Milano _Via Conservatorio, 12

Satyricon – Opera in un atto su libretto di Bruno Maderna dal Satyricon di Petronio
Musica di Bruno Maderna

Personaggi ed interpreti

Trimalcione Pasquale Conticelli, Ryunosuke Komatsu
Habbinas Fabio Buonocore
Eumolpo Giovanni Impagliazzo
Niceros Vladislav Kosov
Criside/Quartilla Sofia Nagast, Laima Ledina
Fortunata Vittoria Vimercati, Giulia Taccagni


Direttore Sandro Gorli
Regia Sonia Grandis
Scene Lidia Bagnoli
Costumi Daniela Casati Fava
Scuola di Danza Proscenium
Truccatrici BCM Milano: Eleonora Della Paola, Monica Gilardoni,
Roberta Marzupio, Alessandra Zacconi

Ensemble congiunto
Conservatorio di Musica “G. Verdi” di Milano
Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris
KU – Kansas University School of Music

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Satyricon è un’opera buffa o divertimento scenico scritta da Maderna poco prima della sua scomparsa nel 1973 e rappresentata in Olanda in prima esecuzione assoluta. Ha una forte componente grottesca e sarcastica. Lo spettacolo ruota attorno all’episodio cardine del libro di Petronio, la cena di Trimalcione, la cui ostentata volgarità simboleggia la totale crisi di valori di un mondo decadente. Satira e distacco ironico convivono con il gusto e la libertà di un operare anticonformistico e di grande musicalità, che qui si traduce nella molteplicità di citazioni di linguaggi, stili, autori, modi espressivi che Maderna riunisce: un catalogo di materiali variegato che comprende, per le voci , il canto intonato, lo Sprechgesang declamato e, per l’orchestra, sonorità materiche, tonali, aleatorie e neoclassiche e citazioni stravolte di Bizet, Gluck, Mozart, Offenbach, Strauss, Stravinskij, Verdi, Wagner e Weill. Il musicista veneziano dimostra di possedere un alto grado di teatralità interno al proprio gesto compositivo: Satyricon è un’opera la cui drammaturgia è nella partitura (e dunque può tradursi in modi differenti sulla scena). L’opera è in un atto e possiede una struttura aleatoria, poiché i 19 numeri chiusi di cui è costituita – non consequenziali l’uno all’altro, né come trama né come materiali musicali – sono variamente combinabili, come da esplicita indicazione del compositore. Poi per consuetudine viene eseguita sempre la sequenza stabilita nella prima esecuzione sia nelle rappresentazioni sceniche, sia nelle esecuzioni in forma di concerto. Possiamo considerare Satyricon un work in progress, un’opera cioè sottoposta a continue modifiche e rifacimenti, per la quale Maderna ha utilizzato differenti materiali – sia acustici sia elettronici –precedentemente composti e che perciò non ha mai trovato una forma definitiva. (Ruggero Laganà)

Note all’allestimento del Satyricon di Maderna

Come restituire oggi, temporalmente lontani dai trasgressivi anni Settanta, gli umori vitali e la malinconia che informano l’opera aperta di Bruno Maderna, a sua volta derivata da un grande classico della letteratura come il Satyricon di Petronio? La satira della decadenza della società romana è ancora oggi denuncia della perenne decadenza di ogni società avanzata ed opulenta, dove denaro, potere e corruzione possiedono anime e corpi.

Ma la celebrazione del convito di Trimalcione, il brutale e sincero arricchito che si ritrova in ogni epoca, assume in Maderna il senso della ricerca di un mondo perduto, un viaggio tra differenti nutrimenti musicali, offerti dai maestri del passato e dalle nuove ricerche, in un’incessante esperienza estetica che sembra sottrarsi a ogni rassicurante dimensione temporale e narrativa.

Appare piuttosto una drammaturgia connotata da un tempus fugit disarticolato, onirico, impossibile da confinare.

L’accumulo di cibo, corpi, pulsioni sfrenate, emozioni che oscillano costantemente tra eros e thanatos, atti di ferocia e gesti di pietas, convergono nella retorica descrizione che il ricco possidente fa del proprio monumento funebre. Ma quella che sembra la celebrazione della morte si carica di umori ferini, appare una catasta di incessante vitalità.

Le scene di Lidia Bagnoli richiamano la monumentalità romana, con il motivo dell’arco ripetuto come nei colombari o negli acquedotti, ma il materiale scelto è impalpabile, un velarium da teatro che circonda lo spazio scenico dove campeggia un surreale opus in costruzione la cui forma si ritrova nelle visioni di Hieronymus Bosch.

I costumi di Daniela Casati Fava riprendono le varianti del rosso e dell’oro imperiale, ma evocano l’idea di un sipario strappato da cui gli attori hanno ricavato gli abiti per la messinscena.

Anche i movimenti di scena di Simone Magnani giocano tra la ricerca affannosa del contatto e il disequilibrio. Un mondo in bilico dove, come afferma nel romanzo il poeta Eumolpo, «a far bene i calcoli da ogni parte c’è un naufragio». (Sonia Grandis)


Sandro Gorli direttore e compositore

Ha studiato composizione con Franco Donatoni frequentando contemporaneamente la Facoltà di Architettura di Milano e diplomandosi in pianoforte. Ha svolto attività di ricerca presso lo Studio di Fonologia della RAI di Milano e ha seguito i corsi di direzione d’orchestra di Hans Swarowsky a Vienna.

Nel 1977 ha fondato l’orchestra da camera Divertimento Ensemble, che ancora oggi dirige, svolgendo un’intensa attività concertistica per la diffusione della musica contemporanea. Dal 1990 al 1998 è stato direttore principale dell’ensemble Elision di Melbourne. Con le due formazioni ha inciso oltre venti CD. Con l’Orchestra Sinfonica Siciliana ha realizzato la prima esecuzione italiana della Low Simphony di Philip Glass e alla guida dell’Orchestra Sinfonica di Milano G. Verdi ha inciso due CD interamente dedicati a Bruno Maderna.

Nel 2004 ha dato vita a “Rondò”, l’annuale stagione milanese di Divertimento Ensemble che offre appuntamenti con la musica d’oggi non solo concertistici, ma anche di incontro, divulgazione, dibattito con i compositori.

Fra le sue composizioni, regolarmente eseguite nelle più importanti manifestazioni italiane e straniere, si segnalano: Me-Ti per orchestra, richiesta all’autore da Bruno Maderna per l’orchestra RAI di Milano (premio SIMC ’75); Chimera la luce per sestetto vocale, pianoforte, coro e orchestra, che ha avuto la sua prima esecuzione al Festival di Royan del ’76 sotto la direzione di Giuseppe Sinopoli; On a Delphic reed per oboe e 17 esecutori (premio SIMC ’80); Il bambino perduto per orchestra; Quartetto per archi; Le due Sorgenti per orchestra da camera; Super flumina per oboe, viola e orchestra, scritta per il Festival di Babilonia del 1987 (premio Città di Trieste dell’’89); Requiem per coro misto a cappella, scritto per La Chapelle Royale diretta da Philippe Herrewege (CD Harmonia Mundi). Fra gli enti che hanno commissionato sue partiture: la RAI di Milano, I Solisti Veneti, la Fondazione Gulbenkian, il Ministero della Cultura francese, il Ministero degli Esteri italiano, Radio France, l’Orchestra Regionale Toscana, l’Ensemble Elision di Melbourne, il Festival di Ginevra, l’Atelier du Rhin, il festival giapponese Theatre Winter, Agon, la Curia Arcivescovile di Milano, l’Orchestra Sinfonica di Lisbona, Milano Musica, Ex novo ensemble, Accademia Filarmonica Romana. Ha vinto nel 1985 il Premio Europa per il teatro musicale con l’opera Solo; la sua seconda opera, Le mal de lune è andata in scena nel marzo 1994 a Colmar e a Strasburgo.

Ha insegnato composizione al Conservatorio di Milano.



Venerdì 27 Ottobre 2017, ore 20:30

Sala Verdi, Conservatorio di Milano _Via Conservatorio, 12

– maggiori dettagli sull’evento –

Eduard Kunz nacque in Siberia da padre di origini tedesche e madre russa. Studiò con Michail Khokhlov alla Scuola Speciale Genssin per bambini dotati e con Andrei Diev al Conservatorio Tchaikovsky di Mosca e fece il suo debutto con l’Orchestra Filarmonica di Omsk a soli 10 anni. In seguito, sotto la guida di Norma Fisher e Mark Ray conseguì un Postgraduate Diploma presso la Royal Nothern College of Music (Manchester) con il massimo dei voti ed, inoltre, gli venne conferita anche una Medaglia d’oro dai duchi di York.

Nominato dalla BBC Music Magazine tra i 10 più grandi pianisti dell’indomani, Eduard Kunz si è esibito con numerose orchestre, tra le più grandi del Regno Unito, tra le quali la BBC Symphony Orchestra, la BBC Concert Orchestra, la BBC Scottish Symphony Orchestra, la Royal Scottish National Orchestra, la Hallé, la Ulster Orchestra, la City of Birmingham Symphony Orchestra, la Welsh National Opera Orchestra, la Royal Liverpool Philharmonic e la London Musici Orchestra, sotto la guida di eminenti direttori d’orchestra quali Tugan Sokhiev,Christian Mandeal, Edward Gardner, Gerard Schwarz, Lothar Koenigs, Garry Walker, Clark Rundell, Mark Stephenson, Alejandro Posada, Josep Caballe Domenech, Alexander Joel, Andrés Orozco-Estrada, Barry Wordsworth, David Angus e altri.

Debutti di altrettanta importanza sono stati con la Deutsches Symphonie-Orchester Berlin presso Berlin Philharmonie, con la Philharmonia Orchestra presso Royal Albert Hall, con la Royal Stockholm Philharmonic Orchestra, con l’Orquesta Sinfónica de Castilla y León, con l’Orkest van het Oosten, con l’Orchestre national du Capitole de Touluse e con la Braunschweig Symphony Orchestra; ed anche recital in prestigiose sale da concerti quali Wigmore Hall a Londra, Bridgewater Hall a Manchester, Louvre a Parigi, Concertgebouw ad Amsterdam e Winterthur Hall a Barcellona ed altre.

Ha effettuato registrazioni per stazioni radiofoniche di musica classica, come BBC Radio 3, Radio France, Deutschlandradio Kultur e molte altre.

Eduard è vincitore di 13 primi premi in vari concorsi pianistici internazionali, tra i quali il Grand Prix al XVIII Concorso George Enescu di Bucharest e Medaglia d’Oro al XXII Concorso New Orleans e all’ VIII Concorso Paderewski.

Numerosi altri premi gli sono stati conferiti, come la Medaglia d’Argento ricevuta dalla Worshipful Company of Musicians a Londra, premi dalla Hattori and Musical Foundation, da Dame Myra Hess e dalla Yamaha Music Foundation of Europe, dalla Spivakov Foundation ed ha ricevuto il premio “Richter” dalla Rostropovich Foundation a Mosca. Nel Concorso Tchaikovsky del 2011 raggiunse solamente la 2º prova.

Eduard è stato un artista BBC Radio 3 New Generation (2006-2008), ed è attualmente un artista della Moscow Philharmonic Society, un laureto del Verbier Festival e un Yamaha Artist.

Nel 2010 è apparso nel film “A Surprise in Texas” con estratti dal Concorso Van Cliburn 2009.

Eduard Kunz dal 2011 è stato invitato più volte a suonare per “Serate Musicali” a Milano, rendendole, a detta di Hans Fazzari stesso, “Serate – Pro Veritate” per il suo suonare con l’anima, “più dentro nei tasti e nel cuore” e già ritenuto “leggenda”.

“Questa sera le “Serate Musicali” tornan “Serate –Pro Veritate”. Non sempre ciò è possibile. Stasera sì. Busoni non ci capirebbe. Nemmeno Paderewski (che lodava Moritz von Rosenthal, allievo di Liszt, che per stroncarlo si dovette ricorrere niente meno che a Brahms). Nemmeno Godowski, il super pedante, che tormentò a sangue il nostro Shura. Ci capirebbe Shura che diceva: «E forse noi siamo rimasti soli!». Anche Shura si sentirebbe meno solo. Alla terza volta che le “Serate Musicali” invitano Kunz, E NON PER CASO, Kunz è già LEGGENDA? Fate voi!” (H.F.; dalle note di sala del concerto dell’ottobre 2012 in “Serate Musicali”)

Oxana Shilova is a gifted singing actress highly acclaimed for her magnificent voice, outstanding technique, intelligent musicianship, and dazzling dramatic talent. She is the leading soprano soloist of the  Mariinsky Theater and has collaborated with Valery Gergiev, Pablo Heras-Casado, Gianandrea Noseda, Tugan Sokhiev, Mickhael Güttler, Nikolay Znaider, Constantine Orbelian, Mikhail Tatarnikov, Fabio Mastrangelo, Yuri Bashmet, Charles Roubaud, Alain Maratrat, Francesca Zambello, Stephen Lawless, Michael Mayer, and Claudia Solti.

Leading roles at her home stage of the Mariinsky Theatre include Adina L’elisir d’amore, title-role Lucia Di Lammermoor, Violetta La Traviata, Susanna Le Nozze Di Figaro, Antonia Les Contes D’Hoffmann, Pamina Die Zauberflöte, Donna Anna Don Giovanni, Madame Cortese Il Viaggio A Reims, Mrs Alice Ford Falstaff, Desdemona Otello, Helena A Midsummer Night’s Dream, Lyudmila Ruslan and Lyudmila and the Swan Princess The Tale of Tsar Saltan. Other repertoire includes Elvira I Puritani, Gilda Rigoletto, Lucrezia I Due Foscari, Ascagne Les Troyens, Micaëla Carmen, Leila Les Pêcheurs de Perles, Norina Don Pasquale, Despina Così fan tutte, Ilia Idomeneo, Re di Creta, Xenia Boris Godunov, Emma Khovanshina, Luisa Betrothal in a Monastery, Belinda Didon et Enée, Rosina Il Barbiere di Siviglia, title-role The Golden Cockerel and Naiad Ariadne auf Naxos.

She has performed on the international stages including the Palau de les arts Reina Sofia, the Dallas Opera, the Bergen National Opera, the Opéra de Lyon, the De Nederlandse Opera and  Reims, Montpelier, Avignon, Bordeaux, Toulouse and Marseilles. She is a regular participant at international festivals with highlights including the Music Festival Stars of  the White Nights (2008-2016),  the Moscow Easter Festival (2013), summer festivals in Baden-Baden (2016) and Edinburgh (2016).

Her recent operatic highlights include Violetta (La Traviata) at some of the greatest Russian opera theaters including the Bolshoi Theatre and her European debut at the Sofia National Opera in May 2016. In October 2016 she made her role debut as Micaëla in Carmen at the Primorsky Stage of Mariinsky Theatre. During the White Night Festival 2017 she made a distinguished debut as Musetta in La Bohème.

Oxana is performing regularly on the concert stage in recitals and vocal performances in Russia and abroad. She has a vast concert repertoire including Handel’s Messiah, Mozart’s Exsultate, Jubilate, Haydn’s Creation, Pergolesi’s Stabat Mater, Orff’s Carmina Burana, Stravinsky’s Les Noces. She has toured in Belgium, Great Britain, Italy, Norway, Slovakia, Finland, France, USA and Argentina. Additionally, she has appeared in recitals with romances of Debussy, Chausson, Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky, Glinka, Rachmaninov, and Medtner. In May 2016 she opened the festival «St. Petersburg Palaces» at the Hermitage Museum with Stephen Costello and Constantine Orbelian. Also in May she performed with Anna Netrebko and Ildar Abdrazakov at the festive concert Classic Gala on Palace Square in St. Petersburg.

Oxana Shilova was born in the city of Almalyk, Tashkent region of the Soviet republic of Uzbekistan. Her parents were both Honored Teachers of Russia. Her farther was also singer-songwriter and had recorded an album. Her first musical teacher Ekaterina Goncharova took Oxana to her brother Evgeny Fedotov, one of the  soloists of the Kirov Theatre in St. Petersburg. Carefully following his advice, Oxana became a student of the Rimsky-Korsakov Music College where she met her longtime teacher Mariana Petrova, a lyric coloratura soprano of the Mussorgsky opera and ballet theatre. Thereafter Oxana continued her education at the St. Petersburg State Conservatory entering with the highest grades. At the 3d year of studies she joined the Young Singers Academy of the Mariinsky Theatre. As a member of the Studio at the Rimsky-Korsakov Conservatory, she had her first stage experiences as Belinda in Purcell’s Didon et Enée, Barbarina, Suzanna in Mozart’s Le nozze di Figaro. On the Mariinsky stage she made her first appearance as Despina in Cosi fan tutte by Mozart.

Oxana has participated in master classes with Joan Sutherland, Elena Obrazstova, Mirella Freni, Renata Scotto, Ileana Cotrubas and Placido Domingo. She is the winner of numerous international music competitions.


  • Laureate of the St. Petersburg’s theater audience society prize Teatral for the psychologism and the outstanding vocal performance for the role of Violetta (“La Traviata”) (2016)
  • Prize-winner at the Stanislaw Moniuszko International Competition in Warsaw (1st prize, 2007)
  • Prize-winner at the III International Elena Obraztsova Competition (1st prize, 2003)
  • Prize-winner at the International Opera Singers’ Competition in Geneva (2nd prize and special prize for best performance of a French work, 2003)
  • Prize-winner at the V International Rimsky-Korsakov Young Opera Singer’s Competition in St Petersburg (2002)



Lunedì 23 Ottobre 2017, ore 20:30Circolazionelogo cidim

Sala Verdi, Conservatorio di Milano _Via Conservatorio, 12

Violoncellista: AMEDEO CICCHESE

– Maggiori dettagli sull’evento

La MAV Symphony Orchestra è stata fondata nel 1945 dalle Ferrovie dello Stato Ungherese, una delle più grandi aziende in Ungheria. Composta da novanta musicisti professionisti, la MAV è attualmente tra le migliori formazioni orchestrali ungheresi.
Negli  ultimi  decenni  ha  sviluppato  un  ampio  repertorio  che  spazia  dal barocco ai compositori contemporanei. L’orchestra si esibisce nelle sale da concerto più prestigiose d’Ungheria: la  Liszt  Music  Academy e il Palazzo delle  Arti.  Oltre  ai  concerti  sinfonici  esegue  regolarmente  concerti  di musica da camera.
Nel corso della sua attività, l’orchestra  ha consolidato  numerosi rapporti con  direttori  d’orchestra  e  solisti  di  fama  internazionale.  Negli  ultimi decenni  i  concerti  della  MAV  sono  stati  diretti  da  János  Ferencsik,  Ken- Ichiro  Kobayashi,  Franco  Ferrara,  Uri  Mayer,  Hans  Swarowsky,  Carlo Zecchi, Moshe Atzmon, Kurt Masur, Herbert Blomsted, James Levine, Irwin Hoffman, Gábor Takács-Nagy e Yuri Symonov.
Tra  i  numerosi  solisti  di  fama  internazionale  che  si  sono  esibiti  con l’orchestra:  Luciano  Pavarotti,  Placido  Domingo,  José  Carreras,  Kiri  Te Kanawa, Lucia Aliberti, Lazar Berman, Jeanne-Marie Darré, Endre Gertler, Tsuyoshi  Tsutsumi,  Ruggiero  Ricci,  David  Geringas,  Jevgeni  Bushkov, Ramzi  Yassa,  Dudu  Fischer,  Fujiko  Hemming,  Alexander  Markov,  Tamás Vásáry, Zoltán Kocsis, Dezso Ránki, Miklós Perényi, Jenő Jandó.
L’orchestra  ha  suonato  nelle  principali  sale  concertistiche  europee,  oltre che  a  Hong  Kong,  in  Giappone  e  in  Cina,  riscuotendo  ovunque  unanimi consensi. Numerose le partecipazioni a  diversi prestigiosi festival  europei: Vienna, Salonicco, Roma, Assisi. Nel 1988 si è esibita per Papa Giovanni Paolo II  nella sua residenza estiva di Castelgandolfo. Dal 2010 direttore artistico e musicale dell’orchestra è Gábor Takács-Nagy

Andrea Vitelloandrea vitello Dice di lui Donato RenzettiLe sue esecuzioni si sono distinte per la raffinate concertazioni e le  originali  proposte  sia  nei  tempi  che  nei fraseggi. Lo considero uno dei giovani direttori più interessanti della sua generazione. Il  suo  debutto  discografico  con  il  Pierrot Lunaire  di  Arnold  Schoenberg  alla  guida dell’Ensemble  BIOS  e  con  la  voce  di  Anan Clementi  suscita  reazioni  entusistiche  nella critica  italiana,  tedesca,  statunitense  e australiana:

“Bravissimo, Andrea Vitello, a tenere insieme tutta la compagine. Non una sbavatura, non una distrazione, un’approssimazione. Tutto al punto in cui deve essere, anche nei momenti di maggiore foga.”

Dino Villatico, Dionysos “…agguanta l’orecchio e riesce a tenerlo incollato a processi sonori impetuosi e materici, a tratti di impudica visceralità”

Andrea Vitello collabora con istituzioni quali Orchestra dei Pomeriggi Musicali di Milano, Festival  Musica  Viva  di  Belem,  Bulgarian  Choir  Union  di  Sofia,  Orchestra  Sinfonica  di Budapest MAV, Orchestra Sinfonica di Salonicco, Filarmonica di Koszalin, Korea Soloists Orchestra, Divertimento Ensemble, Argento Ensemble, Ensemble l’Arsenale etc. in alcune delle più importanti sale del mondo quali Carnegie Hall di New York (Histoire du soldat, Giugno 2017), Seul Art Center (Ottobre 2013), Teatro dal Verme di Milano. Sensibile  interprete  del  repertorio  moderno  e  contemporaneo,  ha  diretto  numerose prime  esecuzioni  di  artisti  quali  Tristan  Murail,  Oliver  Schneller,  Andrea  Portera,  Peter Eotvos e numerosi giovani compositori.
Tra  i  prossimi  impegni  il  debutto  presso  l’Accademia  Liszt  con  l’Orchestra Sinfonica  di Budapest  MAV  (Novembre  2017),  il  debutto  in  Russia  con  l’Orchestra  Sinfonica  di Kabarovsk (Aprile 2018), il debutto presso il Megaron di Salonicco (Novembre 2017). Nell’inverno  2017/2018  uscirà  inoltre  per  Warner  il  primo  CD  di  Andrea  Vitello  con  I solisti del Teatro alla Scala di Milano con musiche di Igor Stravinsky e Peter Eotvos.

Nato nel 1977, ancora giovanissimo Andrea Bacchetti bacchetti-andreaha raccolto i consigli di musicisti come Karajan, Magaloff, Berio, Horszowski. Debutta a 11 anni con I Solisti Veneti diretti da Claudio Scimone. Da allora suona più volte nel maggiori festival internazionali presso prestigiosi centri musicali: Konzerthaus (Berlino), Salle Pleyel, Salle Gaveu (Parigi), Rudolfinum Dvorák Hall (Praga), Teatro Coliseo (Buenos Aires), Ateneo Romano (Bucarest), Rachmaninoff Saal, The Moscow State Philharmonic Society, Conservatorio di Mosca e molti altri.
In Italia è regolarmente ospite dei principali Enti: Teatro alla Scala, Sala Verdi, Serate Musicali, Associazione Scarlatti Amici della Musica, Palermo, Unione Musicale (Torino) e molti altri.
Ha suonato con più do 50 direttori e numerose orchestre di rilievo internazionale (Lucerne Festival Strings, Camerata Salzburg, RTVE Madrid, ONBA Bordeaux, MDR Sinfonieorchester Lipsia, Sinfónica de Tenerife, Sinfónica dell’Estado de Mexico, Sinfonica Nacional dell’Ecuador Quito, Russian Chamber Philarmonic St. Petersburg, Philharmonique de Nice e Philharmonique de Cannes, Prague Chamber Orchestra).
Ha tenuto tournée in Giappone e Sud America. Collabora con Rocco Filippini, Domenico Nordio, ed ha lavorato più volte con il Quartetto Prazak, il Quartetto Ysaÿe, il Quartetto di Cremona ed il Quartetto della Scala.
Fra la sua discografia internazionale sono da ricordare le Suite Inglesi di Bach, il CD “Berio Piano Works” (DECCA), il DVD Arthaus con le Variazioni Goldberg di Bach, “The French Suite”, primo Cd della Complete Bach Edition (Sony Music). Queste registrazioni hanno tutte ricevuto numerosi riconoscimenti dalle più importanti riviste internazionali specializzate.

Laura Bortolotto, Laura Bortolotto 2015Diplomata in violino a 14 anni al Conservatorio “G. Tartini” di Trieste con il massimo dei voti, la lode e la menzione speciale di merito, inizia gli studi di violino all’età di quattro anni con il maestro Domenico Mason. Si perfeziona con il maestro Pavel Vernikov e segue corsi e masterclass dei maestri Fucks, Semchuk, Accardo, Rachlin, Volochine, Martin, Mazor, Pogorelova, Makarova, Montanari e altri. Ha studiato Musica da Camera con il Trio di Parma presso la Scuola di Musica di Duino (Trieste). Attualmente sta frequentando il master nella classe del maestro Marco Rizzi presso la Staatliche Hochschule für Musik und Darstellende Kunst di Mannheim.
Nel 2012 risulta vincitrice del terzo premio, del premio del pubblico, del premio Palazzetto Bru Zane al Concorso Internazionale di Mirecourt (Francia). Nel 2011 ottiene il primo premio all’International Hindemith Competition di Berlino. Nel 2010, a soli 15 anni, vince, con il primo premio, il 29° Concorso Nazionale Biennale di Violino di Vittorio Veneto, il più importante concorso nazionale italiano di violino, risultando la più giovane vincitrice del concorso dalla sua fondazione (1962). Aveva già ottenuto numerosi primi premi e riconoscimenti in contesti nazionali e internazionali tra cui “Il Piccolo Violino Magico” a Portogruaro (VE), Concorso internazionale Postacchini di Fermo, Concorso Europeo Marcosig di Gorizia e, nel 2010, è risultata tra i tre vincitori della XIV Rassegna Musicale Migliori Diplomati d’Italia a Castrocaro Terme.
Laura Bortolotto ha già suonato come solista con orchestre importanti, tra cui: Orchestra Novaya Rossiya di Mosca, Solisti di Mosca, Orchestra del Teatro Carlo Felice di Genova, Orchestra dei Pomeriggi Musicali di Milano, Orchestra dell’Accademia Nazionale di Santa Cecilia di Roma, Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino, Deutsche Kammerorchester Berlin, Orchestra Nazionale dell’Ucraina, Orchestra di Padova e del Veneto, Nuova Orchestra Busoni di Trieste, Orchestra dell’Accademia Naonis di Pordenone, Orchestra Giovanile della Valle d’Aosta, Orchestra San Marco di Pordenone, Orchestra dell’Accademia d’Archi Arrigoni, Orchestra Mitteleuropa di Udine, Orchestra Città di Ferrara, Orchestra Sinfonica Abruzzese.
Ha tenuto concerti con diversi pianisti, tra cui Leonora Armellini e Massimo Somenzi, con il violinista Daniele Pascoletti e con l’oboista Luca Vignali, e collabora stabilmente con il pianista Matteo Andri (col quale ha realizzato nell’estate 2016 una tournée in varie città del Cile e dell’Argentina, e a Washington e Chicago).
Si è esibita in sale prestigiose come quelle del Mozarteum di Salisburgo, il Teatro Filarmonico di Kiev, le Sale Apollinee del Teatro la Fenice di Venezia, il Teatro Comunale di Firenze, la Sala Santa Cecilia dell’Auditorium Parco della Musica di Roma, la Sala Fazioli di Sacile e il Teatro Comunale di Treviso, il Teatro Verdi di Pordenone. Ha tenuto concerti nell’ambito del Festival dei Due Mondi di Spoleto, Ravello Festival, Festival del Maggio Musicale Fiorentino, festival “Assisi nel mondo”, Festival di Portogruaro (VE), Stagione Sinfonica della Valle d’Aosta, Festival Pianistico di Spoleto e nelle città di Cosenza, Padova, Venezia, Duino, Trieste, Pordenone, Treviso, Torino, San Remo, Ferrara, Milano, Aosta, Gressoney, Sirmione, Firenze, Vicenza, Sulmona, Roma, Salisburgo, Berlino, Kiev, Varsavia, Amburgo e Sochi.
Nel 2013 ha realizzato un’incisione del Concerto per Violino e Pianoforte di Mendelssohn per Rainbow Amadeus e nel 2014, sempre per Amadeus, del Concerto e delle Sinfonie Concertanti di Federigo Fiorillo. Quest’ultima incisione è ora distribuita anche dall’etichetta Brilliant.
Nel 2010 ha ricevuto dal Capo dello Stato Italiano Giorgio Napolitano l’Attestato di Onore di Alfiere della Repubblica “per le sue raffinate qualità di giovane violinista”. Nel 2016 è stata premiata dal Centro Studi Franco Enriquez di Sirolo nella sezione Grandi Interpreti come miglior musicista solista femminile.
Laura Bortolotto suona un violino Pressenda del 1830, messo a disposizione dalla Fondazione Pro Canale


Amedeo Cicchese,Amedeo Cicchese Nato nell’88 a Campobasso Amedeo Cicchese si diploma a 17 anni con il massimo dei voti e la lode sotto la guida di Michele Chiapperino.  Consegue subito dopo, con la stessa votazione, il Diploma Accademico di II livello in violoncello sempre con Michele Chiapperino e il Diploma di Perfezionamento in Musica da Camera con Rocco Filippini presso la Accademia Nazionale di Santa Cecilia in Roma. Prosegue la sua formazione con R. Filippini (Accademia W. Stauffer-Cremona), E. Dindo (Accademia di Pavia) e G. Sollima (Accademia di Santa Cecilia). Ha frequentato l’Hochschule der Kunste in Bern sotto la guida di Antonio Meneses.

Vincitore di più di 30 concorsi nazionali ed internazionali oltre che menzioni speciali, debutta come solista all’età di 16 anni con il concerto in Do magg. di Haydn, il Triplo Concerto di Beethoven e il Concerto di Schumann.
Scelto da Riccardo Muti come primo violoncello dell’ Orchestra Cherubini, si è esibito, anche in qualità di solista, in molti Teatri italiani ed esteri per prestigiose Istituzioni diretto oltre che da Muti, da C. Abbado, A. Lonquich, H Schellenberger, M. Zanini, L. Shambadal, Tan Dun.
In formazione da camera, nel 2009 ha vinto i prestigiosi Concorsi internazionali “Vittorio Gui” e “Premio Trio di Trieste”. La vittoria nel “Premio Francesco Geminiani” gli ha consentito di suonare per tre anni un violoncello Gaetano Viniccia (Napoli 1886).
Nell’ambito dei Corsi dell’Accademia Chigiana di Siena, è stato insignito del prestigioso “Diploma d’Onore” conferito dal Quartetto Alban Berg.
Ha inciso per le etichette Alfamusic, SonicView e Azzurra Music.
Suona un violoncello Carlo Colombo Bruno, Torino 1902.


Francesca Leonardi,Francesca-Leonardi-1 è una pianista assolutamente fantastica; unisce ad una musicalità pura ed affascinante una tecnica irreprensibile”, così scrive di lei il famoso violinista Salvatore Accardo.
È la prima pianista donna italiana a registrare per la prestigiosa etichetta Deutsche Grammophon. Francesca ha appena completato l’incisione dell’integrale delle sonate di Beethoven per violino e pianoforte al fianco della violinista Francesca Dego con cui collabora regolarmente da undici anni. I primi due volumi sono usciti nel 2014 mentre l’ultimo cd sarà disponibile dal 30 ottobre 2015.
Nata a Milano nel 1984, ha iniziato lo studio del pianoforte all’età di 3 anni sotto la guida di Graziella Bianchi per poi proseguire con Paolo Bordoni presso il Conservatorio “G. Verdi” di Milano, dove si è diplomata in pianoforte con 10 e lode e menzione d’onore e musica vocale da camera, sempre con il massimo dei voti e la lode. Si è inoltre perfezionata presso l’Accademia Musicale di Pescara, l’Accademia Musicale Chigiana di Siena e il Royal College of Music di Londra con Nigel Clayton e Roger Vignoles. Nel Settembre 2011 le è stata assegnata dal Royal College of Music la borsa di studio Phoebe Benham come accompagnatrice nelle classi di strumento. Fin da giovanissima si è segnalata in diversi concorsi pianistici nazionali e internazionali vincendo quattordici primi premi. Dopo aver debuttato a 16 anni con l’orchestra del Rosetum eseguendo il concerto K 415 di Mozart, si è esibita come solista con molte orchestre italiane ed estere.
Nel 2007 è uscito il suo cd con il 2° libro dei preludi di Debussy e Andante Spianato e Polacca Brillante di Chopin. Si esibisce regolarmente in pubblico e ha tenuto concerti per i più prestigiosi festival e nelle più importanti sale da concerto come la Sala Santa Cecilia dell’Auditorium Parco della Musica a Roma dove ha suonato in occasione del Concerto della Memoria 2015, trasmesso in diretta su Rai 5, la Sala Verdi del Conservatorio, l’Auditorium e il Teatro dal Verme a Milano, la Royal Albert Hall a Londra, il “Les Flâneries Musicales” Festival a Reims, l’Accademia Chigiana a Siena e il Teatro Politeama di Palermo per l’apertura della stagione degli “Amici della Musica”.
Ha effettuato tournée in Giappone, Cina, Stati Uniti con l’”Imperatore” di Beethoven e il Concerto di Mozart in re minore K466, Sud America dove si è esibita al Teatro Colon di Buenos Aires, per la “Semana musical Llao Llao” a Bariloche e presso il Theatro Municipal di Rio de Janeiro in occasione degli eventi di apertura del Mondiale di Calcio 2014. Svolge un’intensa attività concertistica nel campo della musica da camera collaborando con strumentisti e cantanti e dal 2011 forma un regolare duo col noto pianista inglese Nigel Clayton.
Si è esibita nell’ambito di programmi radiofonici su Radio Popolare, Radio Classica, sulla Radio della Svizzera Italiana, Radio Vaticana, Rai Radio 3 e televisivi su Rai 1, Rai 3 e Rai 5; inoltre alcuni brani di un suo cd sono stati inseriti nella colonna sonora del film del pluripremiato regista americano Steven Kroschel, “The Beautiful Truth” (2008).
La prossima stagione la vedrà esibirsi in Italia, Regno Unito, Croazia, Medio Oriente, Spagna, Stati Uniti come solista nel Concerto n.4 di Beethoven, Cina e Giappone. Dedicatasi con entusiasmo all’insegnamento fin da giovanissima, è ora docente di pianoforte presso il Conservatorio “Francesco “Venezze” di Rovigo e la “Trinity School” di Londra.


Inaugurazione di Stagione – Pianista  YEVGENY SUDBIN

Lunedì 16 Ottobre 2017, ore 20:30

Sala Verdi, Conservatorio di Milano _Via Conservatorio, 12

Maggiori dettagli sull’evento

Yevgeny Sudbin nato a San Pietroburgo, dove ha studiato, si è trasferito successivamente a Berlino e infine a Londra. Ha inciso 14 album e il suo CD, dedicato a Scriabin si è aggiudicato il Classical Award al MIDEM di Cannes.

Oltre agli studi al Royal College of Music, ha seguito corsi di Fleisher e Hough e ha ottenuto borse di studio da varie Fondazioni (Pulvermacher, Alexis Gregory, Wall Trust).

Sudbin ha suonato in recitals (New York, Amburgo, Lipsia, Berlino, Parigi) e con orchestre sinfoniche (negli USA  con Minneapolis, Seattle, San Francisco; in Europa con London Philharmonic, BBC Scottish, Tonhalle Orchestra). Ha tenuto concerti con: Minnesota Orchestra, Seattle Symphony, San Francisco Symphony, Orchestra della Tonhalle, la London Philharmonic Orchestra e la BBC Scottish Symphony Orchestra.

Sudbin ha suonato il Concerto n. 1 di Rachmaninov con la BBC Philharmonic e Tortelier ai Proms nel 2008. É ospite abituale di festivals musicali in tutto il mondo, da Aspen, a La Roque d’Antheron, a Verbier, ai Proms di Londra a Singapore. Recitals alla Tonhalle di  Zurigo, a Wigmore Hall e South Bank, al Concertgebouw di Amsterdam, a San Francisco, al Gilmore International Piano Festival, a San Juan di Porto Rico; ha suonato a Londra con Philharmonia e London Philharmonic, al Mostly Mozart Festival, a New York, dove ha ottenuto successo entusiastico nella serie Frick Collection, anche a Lincoln Center.

Ha inciso il ciclo completo dei Concerti di Beethoven e grande successo anche per le incisioni dei Concerti di Rachmaninov e Medtner, un impegno pluriennale, in collaborazione con la Minnesota Orchestra diretta da Osmo Vänskä. “Scoperto” da Serate Musicali nel 2001, esse ne hanno assecondato la verità e la scintilla, in qualità di “Arbiter elegantiarum”.

Sudbin è ospite di Serate Musicali per la tredicesima volta.